La guitare est bien plus qu’un simple instrument : c’est un moyen d’expression, un vecteur d’émotion et une arme de révolution musicale. Au fil des décennies, certains guitaristes se sont hissés au rang de véritables légendes, repoussant les limites de leur art. Ils ne se sont pas contentés de jouer des morceaux : ils ont innové, influencé des générations et marqué l’histoire avec des performances devenues cultes. Dans cet article, on te présente 7 guitaristes qui, chacun à leur manière, ont redéfini ce qu’il était possible de faire avec une guitare.
Quand on parle de guitaristes légendaires, Jimi Hendrix est un nom qui revient systématiquement. Avec son style psychédélique et sa maîtrise des effets comme le wah-wah et la distorsion, il a littéralement redéfini les standards de la guitare électrique. Mais au-delà de sa maîtrise des effets et de sa créativité, il faut se rappeler qu’Hendrix était entièrement autodidacte. Alors si tu veux suivre ses pas et apprendre la guitare seul, c’est possible avec un peu de motivation et les bons outils.
Ses performances scéniques étaient électrisantes : il jouait avec ses dents, derrière sa tête, et dégageait une énergie brute qui captait l’attention de tous. Des morceaux comme Purple Haze, All Along the Watchtower et Voodoo Child (Slight Return) sont devenus des hymnes, non seulement pour les amateurs de rock, mais pour l’histoire de la musique en général.
Anecdote : Lors de sa performance au Monterey Pop Festival en 1967, Hendrix a marqué l’histoire en mettant littéralement le feu à sa guitare sur scène. Ce geste iconique, aussi symbolique que spectaculaire, représentait pour lui un acte de dévotion à la musique. Les photos de cet événement ont fait le tour du monde, contribuant à forger la légende Hendrix.
2. Eric Clapton : l’élégance du blues et la polyvalence du rock
Eric Clapton est un incontournable dès qu’il s’agit de parler de légendes de la guitare. Surnommé « Slowhand », il a su faire de son jeu un subtil mélange de finesse et de puissance, toujours au service de l’émotion. Ses arpèges délicats illustrent parfaitement son approche sensible de la guitare. N’hésite donc pas à explorer les bases des arpèges à la guitare pour enrichir ton jeu.
Véritable pionnier du blues britannique, Clapton a marqué les années 60 avec des groupes comme Cream, avant de poursuivre une carrière solo qui a produit des classiques intemporels tels que Layla et Tears in Heaven.
Ce qui distingue Clapton, c’est sa capacité à évoluer : d’un blues pur et dur à des ballades acoustiques en passant par le rock, il a su traverser les époques en restant pertinent. Sa maîtrise des bends et de l’expression sonore en font une référence pour tout guitariste qui cherche à jouer avec son âme plutôt qu’avec ses doigts.
Anecdote : La chanson Layla, l’un des morceaux les plus célèbres de Clapton, est bien plus qu’un simple chef-d’œuvre musical. Elle a été inspirée par son amour non partagé pour Pattie Boyd, qui était alors mariée à son ami George Harrison. Ce triangle amoureux a donné naissance à l’un des solos les plus déchirants et vibrants de l’histoire du rock, incarnant parfaitement la passion et le désespoir.
3. Jimmy Page : l’architecte du rock puissant
Quand on parle de créativité et de virtuosité, Jimmy Page est l’un des premiers noms qui viennent à l’esprit. En tant que guitariste et principal compositeur de Led Zeppelin, il a joué un rôle majeur dans l’élaboration de certains des morceaux les plus emblématiques de l’histoire du rock, comme Stairway to Heaven, Whole Lotta Love ou encore Kashmir.
Page n’était pas seulement un guitariste exceptionnel : c’était un véritable artisan du son. Son travail en studio, mêlant overdubs complexes et effets audacieux, a permis de donner à Led Zeppelin un son massif et inégalé à l’époque. Sa capacité à mélanger riffs accrocheurs, mélodies éthérées et improvisations virtuoses en a fait une légende intemporelle.
Anecdote : Lors de ses performances live, notamment sur Stairway to Heaven, Jimmy Page jouait souvent sur une guitare Gibson EDS-1275 à double manche. Cet instrument lui permettait de passer sans interruption entre des parties jouées sur un manche 12 cordes, idéal pour des sections riches et harmoniques, et un manche 6 cordes pour des solos et riffs plus classiques. Ce bijou technique est devenu l’un des symboles de l’artisanat sonore et du style flamboyant de Page sur scène.
4. Eddie Van Halen : le virtuose qui a révolutionné la technique
Eddie Van Halen, cofondateur du groupe Van Halen, est souvent considéré comme l’un des guitaristes les plus influents de tous les temps. Avec son jeu rapide et innovant, il a redéfini la manière dont la guitare pouvait être jouée. Il est notamment célèbre pour avoir popularisé le tapping, une technique qui consiste à utiliser les deux mains sur le manche pour créer des solos ultra-rapides et mélodiques, comme dans son morceau légendaire Eruption.
Van Halen ne se contentait pas d’être un technicien hors pair : il avait aussi une incroyable capacité à écrire des riffs mémorables (Jump, Panama, Ain’t Talkin’ ‘Bout Love) et à expérimenter avec le son, notamment grâce à ses propres modifications sur ses guitares. Il était un innovateur dans tous les sens du terme, combinant virtuosité, énergie brute et sens du spectacle.
Anecdote : Eddie Van Halen jouait souvent sur une guitare qu’il avait lui-même modifiée et surnommée la Frankenstrat. En mélangeant des pièces d’autres guitares, il a créé un instrument unique qui correspondait parfaitement à son style de jeu. La Frankenstrat, avec son look distinctif de peinture rouge, noire et blanche, est devenue un symbole de son esprit inventif. Elle reflète son désir de toujours repousser les limites, que ce soit sur scène ou dans son atelier.
5. B.B. King : le roi du blues et maître de l’émotion
B.B. King, surnommé « The King of Blues », a marqué l’histoire de la musique avec son jeu empreint de sensibilité et de profondeur. Contrairement aux guitaristes techniques, King se concentrait sur l’émotion pure, chaque note semblant raconter une histoire. Sa guitare, qu’il appelait tendrement Lucille, est devenue aussi célèbre que lui. Avec des morceaux comme The Thrill Is Gone ou Every Day I Have the Blues, il a conquis des millions de fans à travers le monde et influencé des générations d’artistes, du blues au rock.
Le style de King était reconnaissable entre mille : des bends fluides, une utilisation magistrale des silences, et une capacité unique à faire « chanter » sa guitare. Plutôt que de jouer des solos rapides ou complexes, il privilégiait des lignes mélodiques simples, mais incroyablement expressives. Sa philosophie ? « Ce n’est pas combien de notes tu joues, mais comment tu les joues. »
Anecdote : La légende raconte qu’en 1949, King jouait dans un club lorsqu’un feu s’est déclaré à cause d’une bagarre entre deux hommes qui se disputaient une femme. En réalisant qu’il avait laissé sa guitare à l’intérieur, il a risqué sa vie pour aller la récupérer. Plus tard, il a appris que la femme s’appelait Lucille, et il a décidé de donner ce nom à toutes ses guitares pour se rappeler de ne jamais refaire quelque chose d’aussi dangereux. Depuis, Lucille est devenue une extension de son âme musicale.
Pour obtenir un son aussi expressif que le sien, le choix des cordes joue un rôle essentiel. Si tu te demandes comment choisir les cordes adaptées à ton style, notre guide peut t’aider.
6. Tom Morello : L’innovateur du rock alternatif
Tom Morello, guitariste de Rage Against the Machine et Audioslave, est l’un des musiciens les plus audacieux de l’histoire du rock. Contrairement à d’autres guitaristes qui se concentrent sur la technique pure, Morello s’est démarqué par son approche expérimentale et ses sonorités uniques. Il utilise sa guitare comme une véritable machine à effets, créant des sons qui ressemblent parfois à des scratchs de DJ, des sirènes ou des rythmes électro. Des morceaux comme Killing in the Name ou Like a Stone témoignent de son génie et de son aptitude à repousser les limites de l’instrument.
L’une des particularités de Morello réside dans son utilisation inventive de la pédale d’effets et des techniques comme les harmoniques artificielles ou les manipulations du switch de micro. Il a prouvé que la guitare pouvait aller bien au-delà de ses fonctions traditionnelles pour devenir un outil de créativité brute, tout en restant fidèle à ses messages engagés et politiques.
Anecdote : Tom Morello est connu pour jouer sur une guitare qu’il a lui-même assemblée et personnalisée, baptisée “Arm The Homeless”. L’histoire de cette guitare est un peu chaotique : il a commandé plusieurs pièces différentes sans jamais vraiment être satisfait du son. Finalement, il a bricolé une guitare unique, arborant un design simple mais percutant, avec ce slogan inscrit dessus. Cette guitare est aujourd’hui indissociable de son image et de son message engagé.
7. Chuck Berry : Le pionnier du rock’n’roll
Chuck Berry est souvent considéré comme le père du rock’n’roll. À une époque où ce genre émergeait à peine, il a su le façonner avec ses riffs dynamiques, son énergie scénique et ses textes accessibles, qui parlaient directement à la jeunesse. Des morceaux comme Johnny B. Goode, Roll Over Beethoven ou Maybellene restent des classiques intemporels, joués et repris par des générations de musiciens.
Ce qui rend Berry unique, c’est son talent pour mélanger le blues et la country afin de créer un style résolument nouveau. Il a également marqué l’histoire avec son fameux « duckwalk », ce pas de danse où il avançait en sautillant sur une seule jambe tout en jouant. Ce geste iconique est devenu sa signature scénique et a inspiré d’innombrables guitaristes (Angus Young notamment, du groupe AC/DC) à mettre autant d’énergie dans leur jeu que dans leur présence sur scène.
Anecdote : Le morceau Johnny B. Goode est non seulement l’une des chansons les plus célèbres de Berry, mais aussi un véritable hymne du rock. Peu de gens savent que la chanson est semi-autobiographique : elle raconte l’histoire d’un jeune garçon de la campagne qui rêve de devenir une star grâce à sa guitare.
À l’origine, les paroles faisaient référence à un « country boy », mais Berry a changé cela en « colored boy » pour éviter les controverses raciales à l’époque. Johnny B. Goode est d’ailleurs le seul morceau de rock inclus dans le disque d’or envoyé dans l’espace avec la sonde Voyager en 1977, comme une représentation de la culture humaine.
Bonus : les guitaristes à suivre aujourd’hui
Même si les légendes du passé continuent d’influencer des millions de musiciens, une nouvelle génération de guitaristes est en train de redéfinir la manière de jouer et d’explorer l’instrument. Ces artistes apportent de nouvelles perspectives, mêlant virtuosité, technologie et créativité pour élargir encore les horizons de la guitare.
Quelques noms incontournables à suivre :
- John Mayer : Avec son mélange de blues, pop et rock, il s’est imposé comme une figure majeure de la guitare moderne. Ses performances sur des morceaux comme Slow Dancing in a Burning Room ou Gravity montrent une maîtrise émotionnelle impressionnante.
- Guthrie Govan : Un virtuose au service de l’expression musicale. Son jeu, qui mélange jazz, rock progressif et fusion, en fait un musicien unique et inspirant pour les guitaristes techniques.
- Mateus Asato : Avec sa présence sur les réseaux sociaux et son style mélodique, il est devenu une source d’inspiration pour les guitaristes modernes, mélangeant pop et techniques avancées.
- Nita Strauss : Guitariste électrique reconnue pour ses performances explosives, notamment avec Alice Cooper. Elle incarne la puissance et la technicité du metal contemporain.
